La beauté est une question de comparaison.

Comment fonctionne cette illusion d'optique?
Objectivement, ces stars d'Hollywood sont considérés comme de belles personnes. Lorsqu'on regarde leur visage de face, au centre de notre champ de vision, la plupart de ces visages nous semblent effectivement agréables, attirants, bien proportionnés.
Mais notre vision périphérique n'est pas aussi bonne. Lorsqu'on aperçoit quelque chose qui est situé aux limites de notre champ de vision, nous distinguons moins bien les détails. La preuve de cela, c'est qu'on ressent tous le besoin de fixer un objet bien en face lorsqu'un veut l'observer, afin que nos yeux puissent faire le focus sur les détails.
Dans cette illusion, nous sommes forcés de regarder au centre, et les visages apparaissent donc hors de notre la zone idéale qui nous permet de bien les différencier. On a même de la difficulté à les reconnaître! Mais il y a plus: Comme nous gardons notre attention sur une croix, qui est un objet d'une parfaite géométrie, les visages nous semblent encore plus imparfaits. Et pour couronner le tout, puisqu'on nous montre deux visages à la fois, nous avons tendance à ne voir que les différences entre les deux faces qui apparaissent. Par exemple, puisque George Clooney a un plus gros menton qu'Angelina Jolie, ce dernier nous semble énorme!
Le coupable? Notre cerveau, qui n'a pas le temps de bien voir et qui créé ces caricatures en faisant des comparaisons grossières.
Cette expérience nous incite à réfléchir sur la beauté, qui n'est après tout qu'une question de perception.

Inspiration

On dit souvent que les artistes cherchent l'inspiration, ou sont très inspirés, comme on dit aussi que certains artistes ont un don, laissant entendre que leur talent artistique est un cadeau divin. Et en effet, depuis l'Antiquité on croit que l'inspiration artistique vient de Dieu. Le mot "inspiration" vient du latin in spiritum, qui signifie littéralement "avoir Dieu en soi".

Nicolas Régnier, Divine inspiration de la musique, huile sur toile, 1640.

Bien que l'on peut être inspiré par quelque chose d'extérieur à soi, le résultat d'une inspiration est souvent une idée, qui peut être considéré comme le résultat d'une réorganisation nouvelle d'informations provenant de la mémoire, poussée par l'imagination, l'instinct. L'inspiration ne tombe donc pas du ciel. La création mobilise toutes les ressources intérieures du créateur, et sa culture générale permet d'enrichir sa création.

Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme, dit le dicton. Si les artistes de l'époque moderne témoignaient d'une volonté de toujours faire du nouveau, le postmodernisme admet que toute création artistique, aussi authentique soit-elle, implique elle aussi un certain recyclage de concepts, dont certains accompagnent l'humanité depuis des siècles.

Qu'est-ce que la subversion?

La subversion (du latin subvertere : renverser) désigne un processus par lequel les valeurs et principes d'un système en place, sont contredits ou renversés.

Chacun peut lui conférer un sens positif ou négatif, en fonction de sa propre position par rapport aux valeurs du système en place. Mais de par sa nature, la subversion est souvent l'objet de censure et de répression par les autorités.

La subversion peut être appliquée dans de nombreux domaines, en fait, partout où l'on se réclame de valeurs et de normes : politique, militaire, social, culturel, artistique etc.

Elle constitue souvent un outil utilisé pour déstabiliser ou renverser un système, par exemple, dans le cas d'une révolution ou bien d'une guerre, afin de fragiliser l'ennemi de l'intérieur. Elle peut aussi - plus simplement - servir à faire évoluer les valeurs du système en les remettant en cause.

La mairie de Milan a payé l’artiste Maurizio Cattelan pour cette sculpture installée devant l'immeuble de la bourse. La position de la main nous laisse croire que c’est la Bourse qui fait un doigt d’honneur au reste du monde. La moitié des italiens trouvent cette sculpture choquante. Le fait que l'oeuvre, plutôt subversive, a été acceptée par la mairie lui confère un sens encore plus choquant aux yeux de certains... Cattelan est un sculpteur reconnu pour ses oeuvres subversives, comme son célèbre pape Jean-Paul II écrasé par une météorite.

L'art subversif est destiné à modifier le système en place par l'illustration de ses défauts ou par la promotion de valeurs différentes. Certaines formes d'art sont en soit considérées comme subversives. Par exemple, le street art s'approprie l'espace urbain, ce qui est considéré comme du vandalisme. En s'adonnant à cet art éphémère, les artistes du street art remettent en question le marché de l'art et le concept de propriété.

Banksy, l'un des plus importants artistes du street art, s'attaque continuellement aux représentants de l'ordre, qui représente comme opposés aux valeurs qu'il défend, en particulier la paix et la liberté.

La Fontaine de Duchamp.

À l'intérieur même du domaine des arts, l'artiste subversif est celui qui remet en question les traditions et pratiques que l'on croyait pour acquises. Par exemple, le rejet de l'académisme par les premiers artistes modernes était considéré comme une position subversive. De même, le ready-made, comme la célèbre fontaine de Marcel Duchamp, était une proposition subversive à l'époque: celle que n'importe quel objet trouvé peut devenir une oeuvre d'art si l'artiste le désire, même un vulgaire urinoir.

Autre termes reliés de près ou de loin à la subversion:

L'ICONOCLASME désigne une attitude ou un comportement d'hostilité manifeste aux traditions. Littéralement, l'iconoclaste détruit les icônes (symboles ou les représentations religieuses).

LA PROPAGANDE désigne un ensemble d'actions entreprises par une autorité afin d'influencer la perception publique des événements, des personnes ou des enjeux, de façon à endoctriner ou embrigader une population et la faire agir et penser d'une manière voulue. De manière schématique, la propagande se concentre sur la manipulation des émotions, au détriment des facultés de raisonnement et de jugement. La publicité partage des techniques et moyens mis en œuvre par la propagande pour produire un acte d'achat et présenter de manière positive certains comportements. Voir: Art et propagande

LA DÉSINFORMATION est un ensemble de techniques de communications visant à donner une fausse image de la réalité, par exemple dans le but de protéger des intérêts privés ou d'influencer l'opinion publique. C'est un terme proche du mot propagande.

Source complémentaire: Wikipédia

Cerveau droit et cerveau gauche

Nous savons depuis quelques dizaines d'années que le cerveau humain est divisé en deux hémisphères.

Les découvertes dans ce domaine (autant dans les neurosciences qu'en psychologie) ont conduit à certaines simplifications qui entretiennent le mythe qu'une moitié du cerveau serait intuitive et l'autre, rationnelle. Dans le domaine des arts plastiques, certains aiment répéter que les artistes pensent avec leur cerveau droit, ce qui est absolument faux. Tous le monde, gauchers ou droitier, artiste ou scientifique, utilise l'entièreté de son cerveau!

C'est ce qu'explique de façon très claire Iain McGilchrist, qui est un expert en la matière. Malheureusement, il est anglophone. Des extraits d'une conférence intitulée the divided brain, par laquelle il désire rétablir les faits, ont été utilisés pour créer une superbe animation crée par Cogitive Media, un organisme qui cherche à rendre accessible une variété de sujets passionnants.

Et voici une autre conférence plus longue par Iain McGilchrist.

Le Romantisme

Définition

Le romantisme est un courant artistique apparu au cours du 18ième siècle en Grande-Bretagne et en Allemagne, puis au début du 19ième siècle en France, en Italie et en Espagne. L'esthétique romantique fait place à l'émotion et met en scène des individus de façon dramatique. Le terme Romantisme désigne une conception de l'existence "digne du roman". Les peintres romantiques n'hésitent donc pas à recourir au dépaysement temps géographique que temporel, nous faisant goûter à l'exotisme et aux périodes mystérieuses de l'histoire. Il s'oppose toutefois à la grandiloquence du baroque et refuse l'idéal de beauté que le néoclassicisme fixe dans l'Antiquité. Le romantisme élève la figure de l'individu et ne s'intéresse pas à la mythologie, mais plutôt au pathos de la vraie vie du peuple.

Exemples

Le voyageur au dessus de la mer de brume de Caspar David Friedich est l'oeuvre la plus souvent utilisée afin de représenter l'esprit du mouvement romantique allemand (huile sur toile, 1818).

La liberté guidant le peuple d'Eugène Delacroix est un bon exemple de peinture romantique française. La révolte du peuple est porté à des dimensions mythologiques! (Huile sur toile, 1830)

Le contour aveugle

Lorsque j'enseigne le dessin, j'insiste sur l'importance de la vision analytique objective du cerveau droit.

Qu'est-ce que c'est? Je vous explique.

Au lieu de décoder les images en en faisant des symboles rationnels, l'artiste doit s'éfforçer -dans le contexte du dessin d'observation- d'oublier ce qu'il connait du modèle ou de l'objet afin de le représenter TEL QU'IL LE VOIT et non tel qu'il le comprend, ce qui revient à faire taire une partie de son intelligence au profit d'un autre mode de pensée.

Afin d'opérer la transition parfois difficile du cerveau gauche au cerveau droit, je fais faire à mes élèves certains exercises largement inspirés du très utile livre de Betty Edwards, Drawing on the rigth side of the brain. Un de ces exercises est le dessin de contour aveugle, c'est-à-dire le dessin d'observation exécuté sans regarder sa feuille. Cet exercise déroutant est difficile à faire -parce qu'il est presque irrésistible de regarder notre dessin plutôt que ce que l'objet dessiné- et certains en ressentent un stress, voire un malaise. Mais c'est un moyen incroyable pour s'amélliorer en dessin et une façon presqu'infaillible de provoquer le passage à un mode "cerveau droit"...

Il est vraiment intéressant de contater que les dessins exécutés de cette façon comportent une certaine parentée d'une personne à une autre. On reconnait le dessin de contour aveugle par sa ligne typique brisée mais continue, fine et nerveuse, amalgammée et aérienne. Vous pouvez en observer sur un blog consacré à ce type de dessin, Blind Contourism. Ces dessins sont toutefois l'œuvre d'artistes talentueux aux styles distinctifs, dont James Culleton, qui m'a fait le plaisir de m'envoyer sa vision d'un spectacle de Taïga, formation musicale au sein de laquelle je jouais comme batteur.

Taïga concert par James Culleton, 2005

Les 4 façons par lesquelles le son nous affecte

Quelle est la différence entre un son, un bruit ou une musique?
Comment les ondes sonores nous affectent-elle à notre insu?
Julian Treasure répond à ces questions en 5 minutes.
Très intéressant!
C'est en anglais, mais vous pouvez activer des sous-titres français dans view subtitles.

Twitter peut-il permettre de rendre compte de la santé d'une nation?

Une expérience intéressante: en compilant sur trois ans tous les mots publiés par des américains sur Twitter se rapportent à des émotions, une équipe de chercheurs a voulu voir les variations d'humeur de leur pays, au cours d'une journée moyenne. 300 millions de twits ont été compilés. La particularité, c'est qu'ils ont ensuite traduit leurs données en animation à partir d'une carte des États-Unis. Les régions géographiques se gonflent pour respecter la densité des messages envoyés et un code de couleur traduit la nature des émotions compilées.
Le résultat visuel est étrange. Mais le principal intérêt à mon avis, c'est de voir comment une étude sociologique peut aussi être le point de départ d'une démarche artistique.

Pulse of the Nation: U.S. Mood Throughout the Day inferred from Twitter
(Le pouls de la Nation: l'humeur quotidienne des USA, d'après les données de Twitter)
TWITTERMOOD: http://www.ccs.neu.edu/home/amislove/twittermood/

La Gestalt, qu'est-ce que c'est?

Gestalt est un mot allemand que l'on peut traduire par «configuration», «ensemble» ou «organisation d'éléments».

Apparue en Allemagne au début du XXe siècle, la théorie de la Gestalt relève d'abord de la philosophie et de la psychologie. Elle se serait développée partiellement en réaction à la tendance dominante en psychologie à cette époque, où l'on cherchait à isoler les éléments les uns des autres. Or, selon la Gestalt, ce que l'on perçoit, sur tous les plans, s'organise non par morceaux, mais par ensembles – le tout étant plus grand que la somme de ses parties. Quand on reconnaît quelqu'un, par exemple, c'est instantanément l'ensemble de son visage qui a du sens.

L'avant et l'arrière-plan en psychologie

Tout ce que l'on voit, entend et ressent fait partie d'un « paysage » (la Gestalt) où certaines choses sont temporairement en avant-plan tandis que le reste demeure en toile de fond. Ce qui se trouve à l'avant-plan change constamment : vous marchez dans la rue et, de minute en minute, telle ou telle vitrine capte votre regard, le reste devenant "flou", ou du moins, non perçu; le jour où votre i-pod rend l'âme, vous remarquez soudain toutes les publicités de i-pod dans le journal; vous êtes inquiet au sujet d'un examen médical et le reste de votre existence vous semble superficiel...

Dans un fonctionnement harmonieux et dynamique, le « portrait » (la Gestalt) est en mouvement constant, chaque aspect de l'existence prenant l'avant-plan au moment opportun : manger, penser à sa mère, se concentrer sur un problème, etc. Par ailleurs, à tout moment l'individu doit pouvoir discerner quels éléments doivent s'imposer, chacun d'eux ne prenant toute leur signification que par rapport au fond (au contexte) : une crevaison sur l'autoroute ou devant la maison, ce n'est pas la même chose.

Il peut aussi arriver qu'une préoccupation occupe tout l'espace mental ou affectif et ne puisse plus retourner à l'arrière-plan. En psychologie, on observe que chez certaines personnes, et pour différentes raisons, le mouvement entre le fond et l’avant-plan manque de souplesse.

La Gestalt en Art

Une théorie de la perception prenant en compte la théorie de la Gestalt a été élaborée par Wertheimer en 1923. Ces lois de l'organisation perceptive consistaient en six lois:

La loi de proximité: Les éléments proches les uns des autres ont tendance à être perçus comme faisant partie d'un groupe.

La loi de similarité: Les éléments semblables ont tendance à être regroupés, même si ils ne sont pas rapprochés.

La loi de fermeture: La perception visuelle nous amène à compléter virtuellement les figures incomplètes.

La loi de continuité: Les éléments ont tendance à être perçu dans le cadre d'une séquence ordonnée.

La loi de symétrie: La symétrie inspire la cohérence.

La loi de simplicité: La simplicité est perçue comme souhaitable et cohérente.

En art, on parle de Gestalt pour décrire la sensation de perception globale d'une image, qui est essentielle au travail artistique. En effet, un artiste fait constamment des "allers-retours" entre les détails d'un dessin, par exemple, et son rendu global. Pour croquer rapidement un modèle, le dessinateur doit pouvoir aller "du général au particulier" et arriver à considérer plusieurs aspects d'un dessin d'un seul coup d'oeil. (les lignes de contour, les espaces positifs et négatifs, les relations entre les éléments, les ombres et lumières, etc.)




Le schéma ci-dessus illustre les différentes couches de perception qui composent la Gestalt. Apprendre à dessiner, c'est avant tout apprendre à regarder en gardant toujours ces éléments à l'esprit.

Sources: passeportsante.net / www.siggraph.org / www.drawright.com

L'art, à quoi ça sert?

C'est une question à laquelle doit s'attendre à répondre tout enseignant en arts plastiques, et c'est une question à laquelle je cherche des réponses moi-même depuis que j'ai commencé à consacrer mon temps à la création, au milieu de l'adolescence.
L'art ne sert pas seulement aux artistes et aux artisans du milieu artistique, comme les mathématiques ne servent pas qu'aux mathématiciens. Il suffit d'imaginer une société sans artistes pour commencer à trouver des réponses à cette grande question.

Je vous propose quelques arguments en faveur de l'enseignement des arts, qui proviennent de spécialistes et de théoriciens, mais aussi d'acteurs du milieu et d'étudiants en enseignement des arts. Ils se divisent en trois grandes catégories: les apports au développement de la personne, les apprentissages et les apports qui concernent la dimension sociale.

L'enseignement des arts permet:

Au plan personnel:

• Le développement de l'estime de soi (confiance, expression, valorisation)
• Le développement de l'identité
• Le développement de la sensibilité, de la pensée intuitive et de l'imagination
• Le développement de l'équilibre psychique. (Selon Pierre Gosselin, le domaine des arts permet le développement de la pensée émotivo-rationnelle, puisqu'il a recourt autant à la pensée convergente que divergente, et sollicite de concert l'intuition et la rationalité)
• Le développement de l'autonomie (les élèves gèrent souvent seuls leurs projets artistiques)

Au plan des apprentissages:

• Le développement de l'intelligence spatiale (qui est l'une des 7 grandes formes d'intelligence selon Gardner)
• Le développement d'une pensée réflexive et critique
• Au primaire, le développement de la motricité fine
• L'acquisition du langage plastique et esthétique (nommer, comparer, associer, apprécier) et par le fait même, des outils d'expression et d'argumentation. Ses habilités seront ensuite utiles pour d'autres disciplines, et constituent les bases de la pensée philosophique.

Au plan social:

• Le développement des relations sociales (par l'art, on se dévoile et on en apprend sur les autres)
• L'art créer des ponts entre les différentes cultures. (puisque les arts encourage l'originalité et la diversité des réponses apportées à un même problème, l'art est un outil d'ouverture et de tolérence)
• Le développement d'une conscience sociale et culturelle (l'art est au coeur de l'identité culturelle des peuples. S'ouvrir à l'art et à l'histoire de l'art, c'est prendre conscience des valeurs qui fondent les sociétés)
• Le développement de connaissances historiques
• L'enseignement des arts sert à former des citoyens culturellement avertis, ouverts aux idées nouvelles et moins crédules faces aux mécanismes des médias, de la publicité et de la propagande.

Qu'en pensez-vous?
Avez-vous d'autres arguments à ajouter?
Si vous avez des questions sur mes références ou des commentaires à formuler, n'hésitez pas!

L'effet de la lumière des écrans sur le cerveau

Il est maintenant démontré que l'exposition prolongée à la lumière des écrans de télévision ou d'ordinateur est néfaste pour la concentration et le sommeil, surtout à l'adolescence. L'utilisation abusive des technologies de communication semble nuire grandement à la concentration des élèves du secondaire. À ce sujet, vous pouvez voir ici un court reportage diffusé au Téléjournal Montréal de Radio-Canada en octobre 2011.
Quant aux effets de l'exposition à la lumière des écrans, cette petite expérience saura sans doute vous convaincre:

L'intelligence selon Albert Jacquart

Introduction à la couleur

Il existe deux grands phénomènes de la couleur, que l'on nomme synthèse soustractive et synthèse additive.

À l'école primaire, on enseigne que les couleurs primaires sont le jaune, le bleu et le rouge.  Mais en réalité, dans la synthèse soustractive (lorsqu'on utilise des crayons de couleur ou de la peinture par exemple) les trois couleurs fondamentales sont plutôt le jaune, le cyan (non pas le bleu) et le magenta (non pas le rouge). 

Le problème est que ces mots plus rares ne font pas partie du vocabulaire usuel des enfants. C'est pourquoi on continue à parler de jaune, bleu et rouge.

La synthèse additive est le phénomène physique du mélange de la lumière. Lorsque additionnées, toutes les couleurs donnent de la lumière blanche. Pour une synthèse additive les trois couleurs fondamentales sont le rouge (R), le vert (G pour green) et le bleu (B), ce qui s'abrège en RGB. Les écrans de télévision et les moniteurs d'ordinateur fonctionne uniquement par la combinaison de ces trois couleurs de base.

On s'apperçoit que pour étudier les couleurs, on peut adopter différents points de vue.

a) La recherche physique
Étude de l'énergie des vibrations électromagnétiques ou de la nature des composants lumineux qui produisent la lumière, de là on arrive à la mesure et au classement des couleurs.
b) La recherche chimique
Étude de la constitution moléculaire des matières colorantes ou pigments, les problèmes de la conservation des couleurs et de leur résistance à la lumière.
c) La recherche physiologique
Étude des diverses actions de la lumière et des couleurs sur notre système visuel (oeil et cerveau).
d) La recherche psychologique
Étude des problèmes de l'action des rayonnements colorés sur notre subconscient et sur notre esprit. Étude du symbolisme des couleurs.
e) La recherche artistique
"Étude" des réactions sensorielles de l'oeil et du cerveau et , les rapports qui existent entre la réalité des couleurs et leurs effets sur l'homme.
Donc un triple point de vue:
Sensible et optique (impression de la couleur).
Psychique (expression de la couleur).
Intellectuel et symbolique (construction de la couleur).

Pour en savoir plus:

Arts appliqués: la couleur

Bruno Groentseen, artiste: la couleur

The dimensions of colors

Librement adapté de: crayons.be